Blog de Rafael Bossio Fotógrafia

3 cosas que aprendí haciendo retratos a Deditos de Poyo en Bogotá

Mon, 26 Oct 2026 23:02:16 GMT

Fotografiar en una ciudad diferente siempre es un reto. Aunque llevo años haciendo retratos en Cartagena, viajar a Bogotá para fotografiar a Deditos de Poyo me permitió salir de mi zona de confort, descubrir otras posibilidades visuales y enfrentarme a condiciones distintas a las que estoy acostumbrado.

Cartagena tiene su luz, sus colores y su clima caribeño. Bogotá, en cambio, me recibió con una arquitectura diversa, cielos nublados y una cantidad de elementos visuales que me hicieron mirar cada esquina con otros ojos.

De esta experiencia me llevo tres aprendizajes que quiero compartir.

1. Bogotá es una ciudad muy fotogénica

Retrato de la banda deditos de poyo en Bogotá.

Lo primero que me impresionó fue la riqueza arquitectónica de Bogotá. Cada calle, cada esquina y cada fachada parecían tener algo que contar.

Hay una diversidad de estilos, texturas y colores que convierte la ciudad en un escenario lleno de posibilidades para hacer retratos.

Lo curioso es que la sesión duró dos horas y logramos resolverla en apenas dos cuadras. No necesitábamos recorrer grandes distancias para encontrar escenarios interesantes. Bastaba con observar, identificar los fondos y descubrir cómo podían dialogar con la personalidad de cada integrante de la banda.

Esta experiencia me recordó que, para hacer buenas fotografías, no siempre necesitamos grandes producciones ni locaciones espectaculares. A veces, la clave está en aprender a mirar lo que tenemos delante.

2. La luz también puede convertirse en un desafío

Si algo cambió mi manera de trabajar durante esta sesión fue la luz. Acostumbrado a la luminosidad de Cartagena, encontrarme con los cielos nublados de Bogotá fue un reto. Durante buena parte de la sesión tuvimos una luz natural bastante tenue, que hizo que algunas fotografías quedaran más oscuras de lo que esperaba.

Pude resolverlo durante la edición, recuperando luminosidad y trabajando cada imagen para conseguir el resultado que buscaba. Sin embargo, me quedó una lección: cuando fotografiamos en una ciudad con condiciones de luz diferentes a las habituales, también debemos adaptar nuestra manera de trabajar.

En una próxima sesión en Bogotá llevaré flash para tener mayor control sobre la iluminación y explorar otras posibilidades creativas.

Porque fotografiar en otro lugar no consiste solamente en llevar la cámara y repetir lo que ya sabemos hacer. También significa aprender a resolver problemas nuevos.

3. La composición puede convertir cualquier esquina en un escenario

Una de las cosas que más disfruté fue construir imágenes a partir de los elementos que encontraba en la calle. Grafitis, anuncios publicitarios, fachadas coloridas, texturas y diferentes formas arquitectónicas se convirtieron en parte de la composición. En lugar de verlos como simples elementos del paisaje urbano, comencé a pensar en cómo podían relacionarse con cada artista y aportar algo a su retrato.

Me gusta que mis fotografías tengan una relación con el entorno, que los fondos no sean solamente decorativos y que cada decisión visual ayude a construir una imagen con personalidad.

En esta sesión, la ciudad dejó de ser un lugar de paso y se convirtió en parte de la propuesta visual de Deditos de Poyo.

Hacer retratos en la calle también es eso: observar, experimentar, jugar con los elementos disponibles y encontrar una composición interesante donde otros quizás solo ven una esquina.

Rubén Silva: “En mi novela, el lector se vuelve personaje”

Wed, 30 Sep 2026 01:16:57 GMT

Rubén Silva llega al estudio con una novela que habla de un territorio que conoce desde la infancia. Viene a hacerse una sesión de retratos, Pero hay algo más difícil de fotografiar que un rostro: la historia que una persona carga consigo. Estamos conversando sobre Oeste casi sur, su novela más reciente, y sobre lo que significa escribir desde los Montes de María, un territorio que durante años ha sido contado muchas veces a través de la guerra, el desplazamiento y la violencia. Rubén quiere hablar de otra cosa.

No porque desconozca esa historia. Al contrario. Precisamente porque la conoce, porque nació en Marialabaja y porque durante su infancia salió del territorio para vivir en otras ciudades, sintió la necesidad de regresar a aquello que había ocurrido mientras él estaba lejos. “Sentí la necesidad de conocer lo que pasó en el territorio los años que no estuve allí”, me cuenta. Ese regreso terminó convirtiéndose en literatura.

Una conversación durante una sesión de retratos en Cartagena.

Rubén Silva, escritor bolivarense y autor de Oeste casi sur, durante su sesión de retratos en Cartagena.

Volver al origen para entender una historia

Oeste casi sur comenzó a tomar forma mientras Rubén hacía un micromáster de escritura creativa en la Universidad Icesi de Cali. Había escogido la memoria como tema de investigación, pero decidió mirarla desde un lugar cercano: las mujeres de su propia familia.

Su mamá, sus tías, su abuela y su bisabuela materna aparecen como parte de las raíces de la novela.

Hay algo interesante en ese punto de partida. Para hablar de un territorio, Rubén no comenzó buscando grandes discursos históricos. Comenzó mirando hacia su propia casa. La memoria colectiva entró por la memoria familiar. Y desde ahí empezó a construir una historia que también se pregunta qué significa recordar.

Mientras me cuenta esto, seguimos haciendo fotografías. Cambio una luz, ajusto el encuadre, revisamos algunas imágenes en la cámara y volvemos a empezar. Me gusta ese momento de las sesiones en el que la conversación y la fotografía empiezan a mezclarse. La persona deja de pensar tanto en la cámara y uno puede comenzar a encontrar algo más cercano a quien realmente está ahí.

¿Cómo se cuenta un territorio después de la guerra?

Esta pregunta aparece inevitablemente cuando Rubén habla de los Montes de María. La historia reciente del territorio está atravesada por el conflicto armado, pero él no quiere que esa sea la única puerta de entrada.

En su investigación encontró también historias de resistencia, esperanza y organización comunitaria. Por eso Oeste casi sur no intenta construir una imagen del territorio únicamente desde el dolor. Rubén habla de mujeres que desafían “los fantasmas de la guerra”. Mujeres que aparecen en la novela a partir de historias y testimonios que él escuchó y que terminaron alimentando su escritura. Para él, hacer memoria también tiene que ver con la justicia.

Y ahí la novela deja de ser solamente una historia sobre el pasado. Se convierte en una pregunta sobre el presente.

¿Qué hacemos con aquello que recordamos?

¿Quién cuenta esas historias?

¿Desde dónde se cuentan?

Y quizás la pregunta más incómoda:

¿qué pasa cuando un territorio termina siendo reconocido casi exclusivamente por las tragedias que ha vivido?

Ser del Caribe y escribir desde ahí

Hay una frase de Rubén que resume buena parte de la conversación. “Reconocerme afrodescendiente pero también universal, con horizontes amplificados”. Me interesa esa idea porque rompe con una oposición que muchas veces aparece cuando se habla de artistas de territorios periféricos: como si hablar desde el Caribe significara tener que escoger entre lo local y lo universal. Rubén no parece verlo así.

Para él, escribir desde Marialabaja no significa encerrarse en Marialabaja. Significa tener una raíz. Desde ahí puede mirar hacia afuera.

Su identidad aparece ligada a las tradiciones, a la familia, a las cosmovisiones y a las historias de su territorio, pero también a una voluntad de ampliar esos horizontes. “Es todo un honor y una responsabilidad contar las historias de mi territorio y las múltiples raíces y luchas que me atraviesan”, dice.

Un retrato también puede ser una forma de memoria

Después de varias fotografías hacemos una pausa y revisamos las imágenes. Hay algo curioso en fotografiar a alguien que acaba de hablar durante casi una hora sobre memoria. Una fotografía congela un instante, pero la persona que aparece dentro de ella viene cargada de muchos otros. Quizás por eso me interesa tanto el retrato. Porque un rostro nunca es solamente un rostro.

En el caso de Rubén, detrás de estas fotografías están Marialabaja, los Montes de María, las mujeres de su familia, las historias que escuchó, los años que pasó lejos, el regreso al territorio y una novela que intenta convertir todo eso en una historia compartida. Yo llegué a esta sesión pensando en cómo fotografiar a un escritor.

Terminé pensando en otra cosa: cómo fotografiar a alguien que está intentando contar de otra manera el lugar del que viene.

Y tal vez ahí está la fuerza de Oeste casi sur. No en negar la historia de violencia de los Montes de María, sino en preguntarse qué otras historias pueden contarse después de ella.

Una mirada al Circuito de Arte de Cartagena

Fri, 25 Sep 2026 14:58:07 GMT

El color, los cuerpos y Cartagena

Hay algo que me pasa cada vez que entro a una exposición: el color me persigue .

No puedo evitarlo. Cuando veo una obra donde el color tiene una presencia fuerte, inmediatamente algo de ella se queda conmigo. Quizás porque mi mirada viene de la fotografía, de trabajar con la luz, con los cuerpos y con las calles de Cartagena. Quizás porque, para mí, el color también es una forma de contar historias.

Hace unos días visité una de las exposiciones que hacen parte del Circuito de Arte de Cartagena , un ejercicio curatorial realizado junto a Colartis y que reúne diferentes propuestas alrededor de la pintura y las maneras de representar cuerpos, identidades y territorios.

La exposición, ubicada en la Cooperación Española en Cartagena , terminó convirtiéndose para mí en algo más que una visita. También fue un ejercicio para detenerme frente a las obras, mirar cómo están construidas y preguntarme qué sucede cuando una pintura intenta representar a una persona, una cultura o una ciudad.

Estoy comenzando un Diplomado en Estudios de Museo para la Transformación Cultural y, al mismo tiempo que continúo trabajando en las comunicaciones del Museo de Arte Moderno de Cartagena, empiezo a acercarme con mayor curiosidad al campo de la curaduría.

Por eso quise escribir sobre esta visita.

No desde la intención de hacer una crítica definitiva de la exposición, sino desde mi propia mirada como artista visual y fotógrafo.

La obra de Tekiara Suarez

Cuatro artistas que me hicieron detenerme

María Rojas: el cuerpo femenino como territorio de violencia

Una de las obras que más llamó mi atención fue el tríptico de María Rojas . Tres cuerpos de mujeres aparecen tomando el sol en la playa. A primera vista podríamos pensar en una escena cotidiana, incluso en una imagen asociada al descanso, al verano o al deseo. Pero hay algo que interrumpe esa aparente tranquilidad: las tachuelas que presionan sus cuerpos . Ese elemento cambia completamente la lectura.

El cuerpo femenino aparece entonces como un territorio sobre el cual se ejercen diferentes formas de violencia. Un cuerpo que históricamente ha sido observado, deseado, comercializado y convertido en objeto dentro del cine, la publicidad y los medios de comunicación.

Me interesa particularmente esa tensión entre una imagen que puede parecer atractiva y un elemento que nos obliga a mirar nuevamente.

La pintura nos hace pasar del deseo a la incomodidad.

Y quizás ahí está una de sus mayores fuerzas: en recordarnos que muchas de las imágenes que consumimos cotidianamente han construido una determinada manera de mirar el cuerpo de las mujeres.

Luis Mojica: cuando la pintura parece una fotografía

Con Luis Mojica me sucedió algo diferente. Sus pinturas de pescadores me atraparon principalmente por el color.

Hay una paleta profundamente azul que construye una atmósfera casi fotográfica. Al observar las obras desde cierta distancia, la imagen tiene una sensación de realidad muy fuerte: aparecen los personajes, el espacio y una atmósfera que parece congelada en el tiempo. Pero cuando uno se acerca sucede algo maravilloso.

La imagen se rompe.

Aparecen los trazos, las pinceladas, las decisiones del artista. Descubrimos que aquello que parecía una fotografía es pintura.

Esa distancia entre ver la imagen y descubrir cómo está construida me interesa mucho porque también tiene relación con mi propia práctica fotográfica.

La fotografía suele hacernos creer que estamos frente a una realidad capturada. La pintura de Mojica, en cambio, parece jugar con esa ilusión: primero nos entrega una escena reconocible y después nos recuerda que estamos frente a una construcción. Y otra vez aparece el color.

Ese azul que envuelve a los pescadores termina construyendo una atmósfera que se siente viva.

Tekiara Suárez: el retrato como construcción de identidad

El retrato es uno de los géneros que más me interesa. Quizás por eso las obras de Tekiara Suárez se quedaron conmigo. La artista presenta cuatro retratos de mujeres blancas, pero no se limita a representar sus rostros o sus cuerpos. Cada mujer está acompañada por una serie de elementos que ayudan a construir una personalidad. La ropa, los objetos y el espacio hacen parte del retrato.

Hay algo más. Una especie de dimensión mágica que aparece en las escenas. Uno de los retratos presenta a una mujer sentada junto a un tigre, en un espacio doméstico, acompañada además por un abanico de mano. El animal y los objetos dejan de ser simples accesorios y comienzan a funcionar como extensiones de la personalidad de la mujer representada. Me hizo pensar que retratar a alguien no necesariamente significa solamente mostrar cómo se ve . También significa preguntarse quién es, cómo quiere ser representado, qué objetos lo acompañan y qué elementos pueden hablar de su identidad.

En fotografía esto es fundamental.

Cuando hago un retrato, muchas veces la conversación con la persona comienza antes de levantar la cámara. Hablamos de ropa, colores, espacios, gestos y de aquello que quiere comunicar. Por eso me interesa encontrar estas mismas preguntas en la pintura.

Pedro Covo: el tiempo lento del Caribe

Con Pedro Covo aparece otra dimensión que para mí está profundamente relacionada con Cartagena: el tiempo. Uno de sus retratos presenta a una persona en una mecedora, en la terraza de una casa, mientras la luz del atardecer comienza a caer. No parece estar pasando nada extraordinario. Y precisamente por eso la imagen me interesa. Hay una sensación de pausa. De descanso. De ese tiempo lento que muchas veces asociamos con el Caribe.

La mecedora, la terraza y la luz construyen una escena cotidiana, pero también hablan de una manera particular de habitar el tiempo.

Y nuevamente el color aparece como protagonista.

En Covo me atrapó especialmente el verde . Un verde que, por alguna razón, siento que huele a manglar. Es un color húmedo, vegetal, caribeño. Un verde que no solamente describe un paisaje sino que parece construir una atmósfera. Ahí vuelvo a encontrar algo que busco también en la fotografía: que el color no sea simplemente una característica visual de la imagen, sino que tenga la capacidad de producir una sensación.

Mauricio Uribe: una Cartagena que está desapareciendo

Finalmente encontré el trabajo de Mauricio Uribe , un artista joven que dirige su mirada hacia acciones y escenas cotidianas de Cartagena.

Una de sus obras que más me llamó la atención representa una fila en el antiguo centro comercial La Matuna. La escena podría parecer sencilla: personas esperando, una acción cotidiana, un espacio de la ciudad. Pero cuando conocemos el contexto, la imagen comienza a adquirir otra dimensión.

La Matuna acaba de cerrar sus puertas y sobre estos espacios de la ciudad aparecen nuevas transformaciones urbanas. Cartagena cambia rápidamente. Hoteles, proyectos inmobiliarios y nuevas dinámicas económicas van transformando lugares que durante décadas hicieron parte de la vida cotidiana de los cartageneros.

Por eso esta pintura me interesa como registro de ciudad . No solamente representa una fila. Representa un momento. Una Cartagena que está cambiando. Y quizás dentro de algunos años esta imagen funcione también como archivo de una ciudad que ya no existe de la misma manera.

En ese sentido, la pintura de Uribe se acerca a algo que me interesa profundamente desde la fotografía documental: la posibilidad de utilizar la imagen para construir memoria .

Fotografía inmobiliaria en Cartagena: una sesión para Obycon

Mon, 21 Sep 2026 20:37:59 GMT

Durante septiembre tuve la oportunidad de trabajar junto a Obycon , empresa del sector inmobiliario, en una sesión fotográfica que reunió dos formas distintas de mirar y contar una empresa: el retrato de las personas que hacen parte de ella y la fotografía de sus espacios .

El proyecto comenzó con una serie de retratos corporativos para el equipo de Obycon . La intención fue crear imágenes profesionales, pero sin perder la personalidad de cada persona. Más que fotografías rígidas de perfil, buscamos retratos que transmitieran cercanía, confianza y la identidad de quienes están detrás de la empresa.

Para mí, el retrato corporativo es también una conversación. La fotografía puede ser una herramienta para construir la imagen de una organización, pero esa imagen comienza por las personas que la representan.

Retratos corporativos: la persona también hace parte del proyecto

Real Estate Portraits by Rafael Bossio

Uno de los primeros retos fue realizar los retratos del equipo de Obycon en exteriores. La decisión de trabajar en estos espacios no era casual: el cliente necesitaba que las fotografías mostraran también, en segundo plano, los proyectos inmobiliarios que estaban desarrollando. Esto cambia completamente la manera de pensar un retrato corporativo.

No se trata únicamente de iluminar correctamente a una persona. Hay que conseguir un equilibrio entre el rostro, la identidad corporativa y el espacio que aparece detrás. En Barranquilla, además, nos encontramos con una condición particular: mucho viento. Esto podía afectar tanto la comodidad de las personas como el manejo de los elementos de iluminación.

Fotografía inmobiliaria: mostrar un espacio sin deformar su realidad

Una de las decisiones más importantes de este proyecto fue no aislar completamente a los trabajadores del entorno. En un retrato corporativo tradicional podemos buscar fondos neutros para concentrar toda la atención en la persona. Pero cuando estamos fotografiando una empresa inmobiliaria, el espacio puede ser parte fundamental del mensaje. Por eso, en este caso, los proyectos arquitectónicos de Obycon debían aparecer en la imagen.

La fotografía tenía que comunicar simultáneamente:

Quién es la persona + qué empresa representa + dónde trabaja + qué está construyendo.

Ese equilibrio entre retrato y contexto es uno de los aspectos que más me interesa de este tipo de fotografía.

La segunda parte del proyecto fue completamente diferente. También realicé fotografías de un apartamento modelo, donde el objetivo era mostrar sus espacios interiores, distribución, acabados y características. Aquí la fotografía inmobiliaria requiere otra aproximación. Cuando fotografiamos un apartamento no basta con encontrar un ángulo bonito. Tenemos que pensar en cómo mostrar la mayor cantidad de información posible dentro de una sola imagen. El espectador debería poder entender la relación entre los espacios, imaginar las dimensiones y reconocer los elementos que hacen parte del apartamento.

¿Qué necesita comunicar esta imagen?

En los retratos de Obycon, la fotografía tenía que comunicar personas, identidad corporativa y proyectos. En el apartamento modelo, tenía que comunicar distribución, características, amplitud y experiencia del espacio. En ambos casos, la técnica —el flash, el asistente, la composición, la exposición o el manejo de la perspectiva— no es un fin en sí mismo. Son herramientas para resolver una necesidad de comunicación.

Este proyecto con Obycon, realizado entre Barranquilla y Cartagena, fue precisamente eso: un ejercicio de fotografía aplicada a la comunicación de una empresa, donde cada escenario exigía tomar decisiones diferentes para conseguir imágenes que no solo fueran visualmente atractivas, sino también útiles para contar el trabajo y los proyectos de la compañía.

Fotografía corporativa e inmobiliaria en Cartagena

Mi trabajo como fotógrafo combina el retrato, la fotografía documental y la producción de imágenes para empresas y proyectos.

En la fotografía inmobiliaria en Cartagena, cada espacio presenta sus propios retos de luz, arquitectura y composición. Mi intención es crear imágenes que permitan mostrar los proyectos de manera profesional, cuidando tanto la estética como la información que necesita comunicar cada fotografía.

Si tu empresa necesita retratos corporativos, fotografía de equipos de trabajo, fotografía de proyectos inmobiliarios o imágenes de apartamentos modelo, podemos conversar sobre las necesidades específicas de tu proyecto.

Encontrar la imagen que ya existe

Wed, 16 Sep 2026 04:03:14 GMT

Laura Cruz: Colores

Fotografía de retrato con Laura Cruz, artista de Cartagena.

¿Qué significa realmente hacer un retrato?

Podríamos pensar que se trata simplemente de encontrar una buena luz, elegir un fondo, ubicar a una persona frente a la cámara y presionar el disparador. Pero para mí, el retrato comienza mucho antes.

Comienza cuando conocemos a la persona que tenemos delante.

Hace poco tuve la oportunidad de fotografiar a Laura Cruz, artista de Cartagena, en un proceso que también estuvo acompañado por la realización de un video musical. Trabajar con ella me recordó algo que cada vez considero más importante en mi práctica: un retrato no debería intentar convertir a una persona en otra, sino encontrar una manera de hacer visible quién es.

La pose que ya existe

Hace algunos meses encontré una reflexión de la fotógrafa japonesa-estadounidense Haruka Sakaguchi sobre su experiencia fotografiando retratos. En su serie Studio Hours, Sakaguchi habla de prestar atención a lo que denomina la resting pose: esa postura natural que aparece cuando una persona deja de intentar posar y simplemente vuelve a sentirse cómoda con su propio cuerpo.

Su planteamiento cuestiona algo que vemos constantemente en la fotografía de retrato: la idea de que existe una fórmula universal para posar.

No todas las personas se paran igual.
No todas saben qué hacer con las manos.
No todas se sienten cómodas mirando directamente a la cámara.
Y no todas necesitan ser dirigidas de la misma manera.

Sakaguchi propone observar esos pequeños comportamientos que aparecen durante una conversación: cómo alguien cruza las piernas, dónde coloca las manos, cómo cambia su postura o qué hace cuando deja de pensar en la cámara.

Para mí, ahí aparece una de las claves del retrato.

Antes de pedirle a alguien que pose, prefiero observar cómo habita su propio cuerpo.

El retrato como encuentro

Fotografiar personas también significa relacionarse con ellas.

Hay una conversación antes de la imagen. Hay silencios, movimientos, gestos inesperados y momentos en los que la cámara deja de sentirse como el centro de la escena.

Por eso no me interesa trabajar únicamente con referencias de poses previamente establecidas. Prefiero proponer acciones, caminar, conversar, cambiar de lugar, experimentar con el movimiento y dejar que la persona encuentre poco a poco una manera propia de estar frente al lente.

A veces una fotografía aparece cuando alguien está mirando directamente a la cámara.

Pero otras veces aparece mientras camina, se ríe, mira hacia otro lado o simplemente vuelve a su posición natural.

La dirección fotográfica no tiene que borrar la personalidad. Tiene que ayudar a que aparezca. Fotografiar a un artista también es fotografiar su universo En el caso de Laura, el retrato no buscaba únicamente producir nuevas fotografías para su archivo personal.

También queríamos construir imágenes que dialogaran con su universo como artista.

Esto me interesa especialmente cuando trabajo con personas que utilizan su imagen como parte de su práctica profesional: músicos, artistas visuales, escritores, diseñadores, gestores culturales, fotógrafos, investigadores o profesionales que están atravesando una nueva etapa.

Una fotografía puede ser técnicamente correcta y, aun así, no decir absolutamente nada sobre quien aparece en ella.

Por eso una sesión de retrato puede ser también un ejercicio de construcción de identidad.

¿Cómo quiero verme?
¿Qué quiero comunicar?
¿Qué parte de mí quiero mostrar?
¿Qué imagen corresponde a la persona que soy hoy?

Estas preguntas pueden ser tan importantes como elegir la locación, la ropa o la iluminación.

No se trata de posar mejor. Se trata de sentirse representado.

Creo que una buena sesión de retrato ocurre cuando dejamos de pensar únicamente en “salir bien en una foto”.

La fotografía empieza a funcionar de otra manera cuando la persona puede reconocerse en ella.

No necesariamente porque la imagen sea perfecta, sino porque hay algo de su gesto, de su energía, de su carácter o de su manera de habitar el espacio. Ese es uno de los motivos por los que disfruto tanto fotografiar retratos.

Porque cada persona trae consigo una manera diferente de estar frente a la cámara. Mi trabajo consiste, en buena medida, en descubrirla.

Retratos en Bogotá

El próximo 3 de octubre estaré en Bogotá realizando sesiones de retrato para artistas, profesionales, creativos y personas que quieran renovar su imagen.

No necesitas saber posar.

No necesitas tener experiencia frente a una cámara.

Y tampoco necesitas llegar con una idea completamente definida.

La sesión comienza con una conversación y a partir de ahí construimos juntos las imágenes: exploramos gestos, movimientos, miradas, espacios y diferentes maneras de habitar el encuadre. Porque para mí, un retrato no consiste en imponer una imagen sobre alguien. Consiste en encontrar, juntos, una imagen que ya estaba ahí.

Texto y fotografías: Rafael Bossio
Retrato: Laura Cruz
Cartagena de Indias, Colombia.

Sesión boudoir: creación artística y exploración corporal

Thu, 10 Sep 2026 22:44:51 GMT

Explora. Crea. Habita tu cuerpo.

Retratos en estudio

Una sesión boudoir puede ser mucho más que un retrato sensual. Es un espacio para explorar el cuerpo, el movimiento, la luz y la propia imagen desde una mirada artística.

Mi propuesta parte de la conversación y la confianza. No necesitas saber posar: juntos exploramos gestos, formas y movimientos para crear fotografías que hablen de ti.

El cuerpo se convierte en materia de creación y la cámara, en una herramienta para descubrir nuevas maneras de mirarte.

Explora. Crea. Habita tu cuerpo.

Reserva tu sesión boudoir en Cartagena.

Fotógrafo de eventos corporativos en Colombia

Thu, 27 Aug 2026 14:54:37 GMT

Tres años cubriendo el Foro XM

Por tercer año consecutivo tuve la oportunidad de ser el fotógrafo del Foro XM en Cartagena , uno de los encuentros empresariales más importantes del sector eléctrico colombiano.

Tres años fotografiando conferencias, líderes, conversaciones, networking y esos momentos que suceden fuera del escenario y que también cuentan la historia de un gran evento.

Para mí, cubrir un evento corporativo no es simplemente hacer fotografías. Es entender lo que está pasando y convertirlo en contenido que una empresa pueda comunicar .

Fotografía en tiempo real para eventos

Hoy las empresas necesitan comunicar mientras las cosas suceden.

Por eso ofrezco fotografía de eventos corporativos en tiempo real , con selección de imágenes durante la jornada para que los equipos de comunicación puedan utilizarlas en Instagram, LinkedIn, prensa y otros canales digitales.

También integro video corto para redes sociales , creando contenido dinámico a partir del mismo evento.

Fotografías. Retratos. Networking. Conferencias. Videos. Momentos espontáneos.

Todo contado desde una misma cobertura.

Tres años de experiencia en el Foro XM

El Foro XM reúne representantes, expertos y empresas alrededor de los desafíos y transformaciones del sistema energético colombiano.

Haber trabajado durante tres años consecutivos en este evento me ha permitido desarrollar una metodología para trabajar en grandes encuentros corporativos: anticiparme a los momentos importantes, moverme sin interferir y entregar imágenes que realmente sirvan para comunicar.

¿Buscas fotógrafo para tu evento?

Si estás organizando un evento corporativo, congreso, conferencia, foro, lanzamiento de marca o encuentro empresarial en Colombia , puedo ayudarte con una cobertura fotográfica pensada para comunicación y redes sociales.

�� Fotografía corporativa y de eventos
⚡ Fotografía en tiempo real
�� Videos cortos para redes sociales
�� Retratos de conferencistas y asistentes
�� Cartagena, Barranquilla y otras ciudades de Colombia

Tres años en el Foro XM me han enseñado algo:

Un evento ocurre una sola vez. Hay que estar ahí para contarlo bien.

¿Tienes un evento próximamente? Hablemos.

Rafael Bossio — Fotógrafo de eventos corporativos en Colombia.

Dos artistas de Cartagena: Keke Minowa frente a mi cámara

Sat, 22 Aug 2026 20:10:22 GMT

Spotify Colombia acaba de publicar mi retrato de Keke Minowa

Playlist de Spotify: Mujeres de los Andes, a todo volumen! Con una selección de Keke Minowa.

Hay fotografías que nacen de una sesión y otras que, con el tiempo, encuentran caminos que uno nunca imaginó.

Hace dos semanas tuve la oportunidad de trabajar con Keke Minowa, una de las voces más interesantes de la escena musical contemporánea de Cartagena. Desde la fotografía nos encontramos para construir una imagen que buscaba representar algo de su fuerza, su identidad y esa energía que caracteriza su propuesta artística.

Hoy esa fotografía tiene una nueva vida.

Spotify Colombia acaba de publicar mi retrato de Keke Minowa para anunciar su llegada a EQUAL, la plataforma de Spotify que celebra y amplifica las voces femeninas de la música.

Y para mí, este hecho tiene un significado especial.

Porque se trata del encuentro de dos artistas de Cartagena, trabajando desde disciplinas diferentes pero con una preocupación común: construir imágenes, sonidos y relatos capaces de hablar desde nuestras vivencias.

Keke frente a mi cámara

Fotografiar a un artista musical con la potencia visual de keke siempre sera un gran reto..

Hay que encontrar una imagen que dialogue con aquello que sucede cuando esa persona está sobre un escenario, cuando canta, cuando crea. En el caso de Keke, su presencia tiene una fuerza muy particular. Hay identidad, actitud y una relación muy potente con su cuerpo y su estética.

Mi trabajo fue intentar traducir parte de esa energía a una imagen.

La fotografía busca precisamente eso: detener un instante, pero dejando que algo de la persona continúe moviéndose dentro de la imagen.

Hoy celebro que esta imagen esté acompañando la música de Keke.

Pero también celebro algo más íntimo: que dos artistas de Cartagena podamos encontrarnos desde nuestros respectivos lenguajes y que, a través de ese encuentro, algo creado en nuestra ciudad termine circulando mucho más allá de ella.

Keke pone la música. Yo pongo la imagen. Cartagena pone el territorio.

Y esta vez, la fotografía llegó hasta Spotify.

Fotografía: Rafael Bossio

Artista: Keke Minowa

Plataforma: Spotify Colombia / EQUAL

Lugar: Cartagena de Indias, Colombia

Chambacú 2020: la imagen que permanece

Tue, 18 Aug 2026 16:40:21 GMT

Exposición del Museo de Arte Moderno de Cartagena Enrique Grau

Chambacu 2020, hace parte de La imagen que permanece , exposición del Museo de Arte Moderno de Cartagena Enrique Grau, que reúne fotografías de la colección del museo y que es curada por Eduardo Polanco .

Hay fotografías que registran un acontecimiento y otras que, con el paso del tiempo, terminan hablando de algo mucho más grande que el instante en que fueron tomadas.

Chambacú 2020 nació en medio de la pandemia por COVID-19, cuando Cartagena, como tantas otras ciudades, atravesaba una de sus mayores crisis sociales y económicas. La fotografía fue tomada en la zona de Chambacú, frente a uno de esos lugares donde la desigualdad de la ciudad se hace especialmente visible.

En la imagen, un hombre observa lo que queda de su hogar después de un incendio que destruyó una docena de cambuches. La noche del 25 de enero, una conflagración consumió varias de estas viviendas improvisadas. En el lugar convivían personas migrantes y habitantes locales. Cuando llegué, pregunté por las razones del incendio, pero nadie parecía tener una respuesta clara. Se hablaba de una posible disputa vecinal o de un accidente. La causa, en ese momento, era incierta. Lo que sí era evidente era la pérdida.

Durante la pandemia, muchas de estas familias sobrevivían con lo que tenían a la mano. No había una economía estable ni muchas posibilidades para empezar de nuevo. Perder una vivienda en esas circunstancias significaba perder mucho más que un techo: significaba perder objetos, recuerdos, herramientas de trabajo y, en muchos casos, lo poco que se había conseguido reunir para sobrevivir.

Por eso decidí hacer la fotografía.

Hay algo en la escena que todavía me inquieta: el contraste entre el hombre frente a las ruinas de su vivienda y la presencia imponente del edificio Aquarela al fondo. Dos formas de habitar la misma ciudad aparecen enfrentadas en una sola imagen.

La precariedad y la verticalidad.
La pérdida y el progreso.
Lo que desaparece y lo que permanece.

Casi cien años después del nacimiento de Chambacú y más de cinco décadas después de su desaparición como barrio, Cartagena continúa produciendo espacios que recuerdan aquella historia. Cambian los nombres, las arquitecturas y las circunstancias, pero persisten algunas de las condiciones que hicieron de Chambacú uno de los sectores populares más conocidos de la ciudad.

La fotografía, entonces, deja de ser solamente el registro de un incendio ocurrido durante la pandemia. Se convierte en una pregunta sobre la ciudad que habitamos.

¿Qué ha cambiado realmente?

¿Quiénes tienen derecho a una vivienda digna?
¿Quiénes pueden permanecer y quiénes son desplazados?
¿Quiénes aparecen en las imágenes de progreso de Cartagena y quiénes quedan fuera de ellas?

En ese sentido, Chambacú 2020 también dialoga con la historia narrada por Manuel Zapata Olivella en Chambacú, corral de negros. Leer esa obra permite acercarse a una Cartagena marcada por las tensiones entre territorio, raza, pobreza, exclusión y resistencia. Una ciudad que, pese al paso del tiempo, todavía conserva muchas de esas preguntas.

Hoy esta fotografía hace parte de La imagen que permanece , exposición del Museo de Arte Moderno de Cartagena Enrique Grau, que reúne fotografías de la colección del museo y que es curada por Eduardo Polanco .

Volver a mirar esta imagen dentro de una exposición sobre la permanencia me hace pensar que una fotografía no permanece únicamente porque haya sido conservada. Permanece cuando todavía tiene algo que decir.

Chambacú 2020 permanece porque el incendio terminó, pero las preguntas que dejó abiertas siguen entre nosotros.

Y quizá ese sea uno de los poderes de la fotografía: hacer que aquello que una ciudad quisiera olvidar vuelva a aparecer frente a nosotros.

Esta vez, para obligarnos a mirar.

Chambacú 2020
Rafael Bossio
Fotografía
2020

Parte de la exposición La imagen que permanece
Fotografías de la colección del MAM Cartagena
Curaduría: Eduardo Polanco

Mi primer fotolibro: la foto es el disfraz

Tue, 28 Jul 2026 20:34:50 GMT

Así comienza un proyecto sobre las Fiestas de Independencia de Cartagena

La comunidad del barrio paseo bolívar celebrando la llegada del cabildo de getsemani en cartagena, colombia.

Después de más de cinco años fotografiando las Fiestas de Independencia de Cartagena , decidí comenzar uno de los proyectos más importantes de mi carrera: mi primer fotolibro.

Durante este tiempo he construido un archivo de más de 300 fotografías documentales , pero el verdadero reto apenas empieza: convertir esas imágenes en una historia con una narrativa sólida.

La primera meta es crear una maqueta editorial que me permita ordenar el archivo, descubrir relaciones entre las fotografías y definir el ritmo visual del libro. Al mismo tiempo, continúo fotografiando nuevos personajes y regresando a algunos que he conocido durante estos años para retratarlos con mayor profundidad.

Este proyecto no solo busca convertirse en un fotolibro. También es una forma de fortalecer mi mirada como fotógrafo documental , compartir mi proceso creativo y seguir posicionando mi trabajo en fotografía documental, retrato y proyectos visuales desarrollados en Cartagena.

En esta serie compartiré cada etapa del proceso: desde la construcción de la narrativa visual hasta el diseño editorial y la impresión final. Si te interesa la fotografía, los fotolibros o estás buscando un fotógrafo en Cartagena para desarrollar un proyecto visual con identidad y narrativa, este espacio es para ti.

Las Fiestas de Independencia de Cartagena

Thu, 23 Jul 2026 20:43:47 GMT

un patrimonio vivo que también habita en la fotografía

Comparsa en el cabildo de Getsemaní

Las Fiestas de Independencia de Cartagena de Indias acaban de dar un paso histórico al ser inscritas en la Lista Representativa de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación , un reconocimiento que confirma lo que generaciones de cartageneros han sabido desde siempre: estas celebraciones son mucho más que un carnaval o una conmemoración. Son un espacio donde convergen la memoria, la resistencia, la identidad afrocaribeña y la creación colectiva.

Este reconocimiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes no solo protege una tradición centenaria, sino que también invita a comprender las fiestas como un patrimonio vivo, construido por comparsas, cabildos, músicos, hacedores culturales, gestores y miles de ciudadanos que, cada noviembre, toman las calles para narrar la historia de Cartagena desde sus propios cuerpos, disfraces y expresiones populares.

La fotografía como memoria del patrimonio

Desde hace más de cinco años he dedicado buena parte de mi trabajo documental a fotografiar las Fiestas de Independencia de Cartagena. No ha sido únicamente el registro de un evento anual, sino el seguimiento constante de un proceso cultural que cambia, se reinventa y dialoga con la ciudad.

En ese recorrido nació La foto es el disfraz , un proyecto de fotografía documental que explora cómo el disfraz deja de ser un simple vestuario para convertirse en una forma de identidad, memoria y resistencia. Cada retrato habla de una persona, de un barrio, de una tradición familiar y de una manera de entender la fiesta como patrimonio colectivo.

Durante estos años he reunido un archivo de más de 300 fotografías , realizadas entre comparsas, cabildos, ensayos, desfiles y momentos íntimos que rara vez aparecen en las imágenes oficiales. Ese archivo se encuentra actualmente en proceso de edición para convertirse en un fotolibro , una publicación que busca aportar a la memoria visual de una de las manifestaciones culturales más importantes del Caribe colombiano.

Un patrimonio que también necesita imágenes

La declaratoria como Patrimonio Cultural Inmaterial representa una oportunidad para reflexionar sobre el papel de la fotografía en la preservación de la memoria. Las imágenes no reemplazan la experiencia de la fiesta, pero sí permiten que futuras generaciones comprendan cómo se vivía, quiénes la hicieron posible y cuáles fueron los rostros que sostuvieron esta tradición.

Cada fotografía es un documento histórico. Con el paso del tiempo adquiere un valor que trasciende lo estético: se convierte en testimonio de una ciudad, de una comunidad y de un momento irrepetible.

La foto es el disfraz: un archivo para el futuro

El reconocimiento nacional llega en un momento muy significativo para mi trabajo. Mientras las fiestas reciben esta declaratoria, continúo editando La foto es el disfraz , un fotolibro construido a partir de más de 300 imágenes documentales realizadas durante años de acompañamiento a las celebraciones.

Mi intención no es únicamente publicar un libro de fotografías, sino aportar un archivo visual que dialogue con la memoria colectiva de Cartagena y contribuya a preservar una manifestación cultural que hoy pertenece oficialmente al patrimonio inmaterial de todos los colombianos.

Porque las fiestas viven en las calles, en los cuerpos, en la música y en los disfraces. Pero también permanecen en las fotografías, que tienen la capacidad de detener el tiempo y recordar que el patrimonio no solo se celebra: también se documenta.

La fiesta de la Virgen del Carmen

Thu, 16 Jul 2026 03:55:35 GMT

Registro documental de la Procesión de la Virgen del Carmen

Con profunda devoción, los feligreses cargan la imagen de la Virgen del Carmen al iniciar la procesión desde la Parroquia San José de Torices, en Cartagena.

La procesión de la Virgen del Carmen en la Parroquia San José de Torices es una de las expresiones de fe y tradición más representativas del barrio. Cada 16 de julio, cientos de fieles recorren sus calles acompañando la imagen de la Virgen en un acto que reúne a familias, vecinos y visitantes alrededor de una celebración que ha trascendido generaciones.

Este registro documental busca preservar la memoria visual de esta manifestación religiosa, capturando el recorrido de la procesión, los gestos, las emociones y los encuentros que dan sentido a esta tradición. Cada fotografía testimonia el vínculo entre la comunidad y una celebración que hace parte de la identidad cultural Cartagenera.

Galería documental: A continuación encontrarás una selección de imágenes que retratan los momentos más significativos de la procesión, desde los preparativos hasta el recorrido por las calles de Torices, ofreciendo una mirada cercana a una tradición que continúa latiendo en el corazón de Cartagena.

Sesión preboda en Cartagena: la conexión antes de la boda

Thu, 02 Jul 2026 16:28:29 GMT

Nicolás y María José

Un dia antes de su matrimonio, recorrimos las calles del Centro Histórico de Cartagena para realizar la sesión preboda de Nicolás y María José. Comenzamos frente a la Iglesia San Pedro Claver, el mismo lugar donde un día después celebrarían su ceremonia.

Aunque el recorrido tenía un punto de partida, nunca tuvo un guion. Solo había una intención: que ellos disfrutaran el momento y que las fotografías hablaran de quiénes son, no de cómo deberían posar.

Toda la sesión fue realizada con luz natural. Es una decisión que hace parte de mi manera de fotografiar. La luz del día permite conservar la esencia del lugar, respetar sus colores y aprovechar cómo Cartagena transforma cada calle a medida que avanzan las horas.

Con frecuencia me preguntan cuáles son las poses que utilizo durante una sesión preboda. La verdad es que casi nunca trabajo con poses establecidas. Cada pareja tiene una forma distinta de expresar el cariño y cada espacio invita a moverse de una manera diferente.

Prefiero proponer acciones antes que posiciones. Les pido que caminen, que corran, que se abracen, que conversen, que se miren sin pensar en la cámara. A partir de esos movimientos aparecen gestos auténticos, posturas naturales y una conexión que no se puede dirigir. Ahí es donde realmente nacen las fotografías.

Una sesión preboda es el primer espacio donde construyo una relación con los novios antes del matrimonio. Durante esa hora aprendemos a trabajar juntos, ellos descubren que no necesitan saber posar y yo entiendo cómo se comunican, cómo se miran y cómo viven su relación.

Esa confianza transforma completamente el día de la boda. Cuando llega un momento lleno de emociones, abrazos y encuentros familiares, ya existe una conexión entre nosotros. Mi presencia deja de sentirse como la de un fotógrafo que dirige y pasa a ser la de alguien que acompaña y documenta.

Felicidades Maria Jose y Nicolas, mi mejores deseos para este nuevo momento de la vida. Disfrutenlo.

Sesión de retratos en el manglar de Cartagena

Mon, 29 Jun 2026 22:02:53 GMT

"Quiero una sesión diferente."

Cuando la mamá de Siria Sharit me escribió para hablar de la sesión de quince años, me dijo una frase que se quedó conmigo:

"Quiero una sesión diferente."

Al principio pensé que se refería a probar un estilo nuevo de fotografía, buscar otra estética o salir de los escenarios tradicionales donde suelen hacerse las sesiones de quinceañeras en Cartagena.

Pero no.

Ella siempre tuvo muy claro lo que quería.

Quería que las fotos se hicieran en el patio de su casa y en el manglar de La Boquilla, el lugar donde Siria ha crecido y al que pertenece.

Fue entonces cuando entendí que una sesión diferente no siempre significa buscar un lugar nuevo. A veces significa regresar al lugar que cuenta tu historia.

El manglar dejó de ser solo un paisaje para convertirse en el protagonista de las fotografías. Sus raíces, el agua tranquila, las canoas y la vegetación no eran un fondo; eran parte de la identidad de Siria y de su familia.

Y como si todo estuviera perfectamente sincronizado, la sesión coincidió con las fiestas de San Juan en La Boquilla, una celebración que culmina hoy, 29 de junio, con la elección de la reina del corregimiento.

Había música, color y un ambiente de celebración que recordaba la riqueza cultural de esta comunidad de pescadores. Pero también estaba presente otra riqueza igual de importante: el manglar, uno de los ecosistemas más valiosos de Cartagena. Son refugio para aves, peces y muchas otras especies, además de proteger la costa y formar parte de la vida cotidiana de quienes han vivido allí durante generaciones.

¿Estás planeando una sesión de fotos en Cartagena? Si quieres que tus fotografías cuenten una historia auténtica y reflejen quién eres, escríbeme. Juntos podemos encontrar el lugar que mejor represente tu historia, ya sea una playa, el Centro Histórico o un rincón tan especial como el manglar de La Boquilla.

los Joiners: cuando la fotografía dejó de ser una sola imagen

Tue, 16 Jun 2026 16:41:32 GMT

David Hockney y los Joiners

La fotografía suele entenderse como la captura de un instante. Un solo encuadre, un único punto de vista y una fracción de segundo congelada en el tiempo. Sin embargo, el artista británico David Hockney cuestionó esta idea en la década de 1980 al desarrollar una serie de obras conocidas como Joiners, composiciones creadas a partir de múltiples fotografías ensambladas como un collage.

Más que simples fotomontajes, los Joiners fueron un intento de representar la experiencia humana de ver. Hockney observó que nuestros ojos no perciben el mundo desde un único punto fijo; exploramos un espacio moviendo la mirada constantemente, construyendo una imagen mental a partir de diferentes fragmentos y momentos. Sus collages fotográficos buscaban capturar precisamente esa experiencia.

¿Qué podemos aprender de Hockney?

1. Romper con la idea de la fotografía perfecta

No siempre es necesario buscar el encuadre definitivo. A veces una serie de imágenes puede contar una historia más rica y compleja que una sola fotografía.

2. Pensar en secuencias

Antes de disparar, imagina cómo varias fotografías pueden dialogar entre sí. Observa un espacio desde distintos puntos de vista y registra los detalles que normalmente quedarían fuera del encuadre.

3. Incorporar el tiempo a la imagen

Los Joiners muestran diferentes momentos dentro de una misma composición. Puedes experimentar fotografiando una escena durante varios minutos y luego unir las imágenes para construir una narrativa visual más amplia.

4. Crear con herramientas cotidianas

Hockney realizó muchos de sus collages utilizando cámaras fotográficas convencionales y copias impresas. Hoy es posible explorar procesos similares con un teléfono móvil, una cámara digital o programas de edición sencillos.

5. Aceptar la fragmentación

La fotografía contemporánea no tiene por qué ser uniforme. Las uniones visibles, las diferencias de luz o los cambios de perspectiva pueden convertirse en parte del lenguaje visual de la obra.

Un ejercicio para experimentar

Elige una calle, una plaza o una habitación. En lugar de realizar una sola fotografía, toma entre 20 y 50 imágenes recorriendo el espacio. Cambia ligeramente tu posición, observa los detalles y registra diferentes puntos de vista. Luego organiza las fotografías como un mosaico o collage. Más que buscar una imagen perfecta, intenta construir una experiencia visual.

Ver más allá del encuadre

La gran aportación de David Hockney a la fotografía fue recordarnos que la cámara no tiene que imitar la visión humana de forma literal. Sus Joiners abrieron nuevas posibilidades para pensar la imagen como una construcción, un recorrido y una suma de perspectivas.

En una época dominada por fotografías rápidas y consumo instantáneo de imágenes, volver a estos experimentos nos invita a mirar con más atención, explorar nuevas formas de narrar y descubrir que la creatividad comienza cuando nos atrevemos a cuestionar las reglas del encuadre.

Guía para una sesión de retratos familiares en Cartagena

Thu, 28 May 2026 21:39:16 GMT

1. Cuida la paleta de colores de los outfits

La ropa hace una enorme diferencia en el resultado final de las fotografías.

Al ser retratos grupales, lo ideal es que toda la familia piense los colores como una sola composición visual. No se trata de vestir exactamente igual, sino de mantener armonía.

Colores que funcionan muy bien en Cartagena:

Blanco
Beige
Terracota
Rojo
Amarillo mostaza
Azul claro
Tonos tierra
Colores tropicales sólidos

Eviten:

Estampados muy cargados
Logos grandes
Neón
Mezclas de demasiados colores diferentes
Ropa deportiva

Cartagena ya tiene muchísimo color en sus calles, puertas y fachadas. Cuando el vestuario está bien pensado, las fotos se ven mucho más elegantes y cinematográficas.

2. Las horas más ideales para la sesión.

La luz lo es todo en la fotografía. Por ello, siempre sugiero dos horarios perfectos:
7:00 AM, La ciudad se encuentra en calma, hay menos gente en las calles y la luz es suave y pura.

4:00 PM, La luz empieza a descender y surgen impresionantes tonos cálidos sobre las fachadas coloniales.

Es mejor evitar las horas del mediodía, ya que el sol intenso produce sombras marcadas y temperaturas incómodas para toda la familia.

3. Las palenqueras hacen que las fotos tengan más fuerza

Incluir un momento fotográfico con palenqueras transforma completamente la experiencia visual.

Sus vestidos llenos de color crean imágenes muy vivas, auténticas y representativas de Cartagena.

Además, generan una energía muy especial dentro de la sesión. Las fotografías se sienten más alegres, espontáneas y culturales.

Cuando combinamos los colores de la familia con los colores de las palenqueras, el resultado suele ser increíblemente poderoso. título en todo el sitio, vaya a Tema del sitio.

Bazurto es mi vida: el podcast

Fri, 22 May 2026 18:36:33 GMT

El 21 de mayo de 2020, en plena pandemia del COVID-19, la Alcaldía de Cartagena decidió cerrar el mercado de Bazurto debido al alto número de contagios que se registraban allí. Ese día llegué con mi cámara para ser testigo de las consecuencias de esa decisión. Entre el silencio, la incertidumbre y las calles vacías, quedaron imágenes que hoy vuelven a cobrar sentido.

Cinco años después, me reúno en este episodio de Cultura Sin Filtro junto a Joel Samper, Adolfo Baltar y Rodrigo Alfaro para conversar sobre una de las imágenes más importantes de ese registro y sobre Bazurto: el mercado, su memoria y las formas en que ha sido representado a lo largo del tiempo.

Hoy, 21 de mayo, Día de la Afrocolombianidad, los invito a escuchar “La representación de Bazurto: entre la imagen y la memoria”, una conversación sobre negritud, cultura popular y las historias que construyen la Cartagena que muchas veces no vemos.

Te invito a escucharlo en spotify:

Cómo fotografiar personas en la calle en Cartagena

Fri, 22 May 2026 17:00:20 GMT

Cartagena es una ciudad que lo tiene todo para la fotografía callejera: la luz intensa del Caribe, los colores de las fachadas, las sombras que cambian durante el día y, sobre todo, la diversidad de las personas que habitan y recorren sus calles. Cada esquina tiene algo ocurriendo. Cada rostro parece guardar una historia.

Pero fotografiar personas en la calle también tiene una dificultad: la vida sucede rápido. La gente camina, conversa, cruza calles, carga bolsas, fuma, mira el celular o desaparece en segundos dentro de la multitud. Por eso, más que perseguir fotografías, creo que la clave está en aprender a observar.

1. Detente en un solo lugar

Uno de los errores más comunes cuando comenzamos a hacer fotografía callejera es caminar desesperadamente buscando imágenes. Creemos que mientras más recorramos la ciudad, más fotos encontraremos. Pero muchas veces sucede lo contrario.

Mi primer consejo es simple: detente.

Encuentra una buena luz, un fondo interesante o un cruce peatonal donde ocurra un movimiento constante. Quédate ahí unos minutos y observa. Las personas llegarán solas a la escena. La fotografía callejera también es paciencia.

Las esquinas y los cruces peatonales suelen ser perfectos porque concentran gestos, miradas y encuentros inesperados. A veces la mejor foto aparece después de esperar diez o quince minutos en el mismo lugar.

2. Observa las manos y los pequeños gestos

Las manos cuentan historias.

Disparo muchas veces cuando las personas están haciendo algo con ellas: sostener bolsas, fumar, usar el celular, acomodarse la ropa, señalar una dirección o hablar con alguien. Esos pequeños detalles hacen que una imagen se sienta viva y humana.

La fotografía callejera no siempre necesita grandes acciones. A veces basta un gesto mínimo para construir una escena poderosa.

3. Si vas a fotografiar muy cerca, pide permiso

Mi especialidad es conversar con la gente y pedir la foto.

Aunque disfruto la espontaneidad de la calle, me interesa mucho el retrato posado. Mis imágenes tienen una intención etnográfica y documental: quiero crear fotografías que hablen de nuestra identidad y de las personas que comparten este tiempo y este espacio conmigo.

Muchas veces una conversación breve cambia completamente la energía de la imagen. La cámara deja de ser una barrera y se convierte en un puente. Cuando alguien acepta ser fotografiado, aparece una conexión distinta en la mirada.

4. Nunca hagas la foto y salgas corriendo

Algo importante en la fotografía de calle es la actitud con la que habitamos el espacio.

Nunca me gusta hacer una foto y desaparecer inmediatamente. Prefiero mirar de frente, sonreír, tomar la fotografía y permanecer ahí. En muchas ocasiones incluso le muestro la imagen a la persona o se la envío después.

Eso genera confianza y también respeto. La calle no es solamente un escenario visual; es un espacio compartido con otras personas.

5. Busca emociones y juega con la luz

La técnica es importante, pero lo que realmente hace memorable una fotografía es la emoción.

Busca escenas que te hagan sentir algo. Juega con la perspectiva, las sombras, los reflejos y la luz del momento. En Cartagena, la luz cambia constantemente: la mañana tiene una suavidad distinta al brillo intenso del mediodía o a la atmósfera cálida de las cinco de la tarde.

Aprender a mirar esa luz y esperar el instante correcto es parte de la magia de fotografiar la calle.

Fotografiar la vida cotidiana

La fotografía callejera no se trata solamente de capturar personas caminando. Se trata de observar cómo habitamos el mundo. De encontrar belleza en lo cotidiano. De descubrir pequeñas historias que duran apenas unos segundos.

Y Cartagena, con toda su energía, su caos, su color y su humanidad, siempre ofrece algo nuevo para mirar.

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